A história é baseada em um romance de inspiração autobiográfica de Akiyuki Nosaka e não difere de muitas que já vimos por aí tantas e tantas vezes, tragédias de guerra com as quais jamais deveríamos nos acostumar. Espantoso que uma história que não traz uma essência inédita ainda consiga comover tanto. Espantoso que uma história possa ser tão trágica e ao mesmo tempo tão linda.

Cena do filme

Mantendo as questões políticas da guerra como um pano de fundo e o foco quase exclusivo no drama dos irmãos, o longa intercala momentos de leveza e desgraça, alternando a dor com cenas de uma beleza poética que dão ainda mais vulto ao desespero e ao sofrimento que os conflitos armados trazem aos inocentes. Impossível não se apaixonar pela pequena Setsuko ou não se compadecer dos esforços, tão incompatíveis à sua idade, que Seita é obrigado a empreender quando tudo o que mais desejaria era não ter uma responsabilidade tão grande pesando sobre os ombros.

Impossível segurar as lágrimas e, sim, é preciso um pouco de coragem para encarar. Não obstante a experiência é absolutamente recompensadora, uma obra de força e sensibilidade ímpares, perfeita no ritmo e na mensagem. Recomendadíssimo.

Recusando-se a ficar à margem do mundo, Bauby aprende a se comunicar piscando letras do alfabeto por um método desenvolvido por sua fonoaudióloga. A despeito de todas as limitações impostas ele escreveu um livro – O Escafandro e a Borboleta (em que foi baseado o filme) – com a ajuda de uma pessoa que tomava nota das letras “piscadas”, onde conta algumas passagens de sua vida, explica o sentimento de se viver preso de seu próprio corpo e dá uma visão do mundo que criou para si mesmo dentro de sua cabeça para não perder as únicas coisas que lhe restaram intactas: sua memória e sua imaginação.

Cena do filme

Não li o livro, mas sabia do que se tratava e já fui assistir ao filme sabendo que não passaria emocionalmente ilesa pela experiência. E, de fato, chorei e me emocionei, não pude evitar a sensação de angústia e sufocamento, a admiração, o tapa na cara.

A história de Jean-Dominique emociona por si mesma, mas não há dúvidas de que Julian Shnabel fez um trabalho de direção primoroso que, junto com a fotografia muito bem calculada de Janusz Kaminski, consegue colocar o espectador “dentro” do drama. Para transmitir o que poderiam ser as sensações de um paciente nestas condições foi adotado o recurso da câmera subjetiva, boa parte das cenas foi feita do ponto de vista do próprio Bauby, com visões entrecortadas e movimentos limitados. Os ângulos restritos destas visões, em contraste com cenas de vastas paisagens em tomadas abertas só faz aumentar a impressão claustrofóbica no hospital.

Cena do filme

A atuação de Mathieu Amalric no papel do protagonista está irretocável, ele convence tanto nas cenas de antes, quanto nas de depois do AVC e ilustra de maneira ampla, quase chocante, as diferenças entre as duas fases da vida de Bauby. No mais, acrescento que nenhum dos coadjuvantes fica atrás, especialmente considerando o destaque e a importância que os atores ganham quando precisam “interagir” com a câmera em tantas cenas onde vemos o ponto de vista do paciente.

Forte, tocante, memorável. Se você ainda não assistiu, aviso que é um filme para ser assistido com o espírito preparado ou você correrá o risco de, como eu, passar por essa sensação de ter sido atropelado por um rolo compressor…

Cena do filme

O livro, no entanto, ainda se encontra inacabado. Decidido a dar sua contribuição à conclusão da obra de arte, Brendan desobece as ordens de seu tio e parte em uma perigosa busca na floresta encantada, onde conhecerá Aisling, uma misteriosa fada que o ajudará ao longo do caminho…

A animação é baseada em fatos históricos e lendas acerca do Livro de Kells, um manuscrito religioso ricamente ilustrado, que hoje pode ser encontrado na biblioteca do Trinity College de Dublin, na Irlanda.

Cena do filme

Da maneira como foi apresentada no filme, achei a história toda muito fraca e bobinha, além de uma conclusão totalmente insatisfatória, mas me encantei, total e completamente, com o belíssimo trabalho gráfico, os efeitos visuais e a sonorização. Traços estilizados, cores muito bem trabalhadas e cenas repletas de ornamentos. Lindo, lindo.

É um filme para encher os olhos e, apesar da trama fraquinha, deve despertar o interesse daqueles, que como eu, se interessam pela História e pela Cultura dessa região.

Para quem tiver curiosidade, há bastante material sobre o verdadeiro Livro de Kells na internet, inclusive um resumo com exemplos de reproduções das páginas na Wikipedia.

Cena do filme

Concordo que o enredo não é nada original, mas tenho que admitir que apesar de todas as críticas desfavoráveis eu me diverti bastante com o filme. Pode ser que eu tenha dado sorte e estivesse em um momento de boa sintonia ou apenas tenha a memória fraca o suficiente para não me incomodar com a descaracterização da antiga série, fato é que gostei do tom inocente, quase bobo, empregado no longa, das piadas infantis e os personagens que em momento algum deixam de parecer bonecos.

Ouvi muitas críticas sobre a qualidade da animação e não deixo de concordar com elas. O trabalho de CG não é dos mais impressionantes e os Smurfs realmente parecem bonecos, não convencem como “seres reis”. Para mim a questão é: deveriam mesmo parecer tão reais? Da maneira como foram apresentados os pequeninos seres azuis transbordam fofura, são carismáticos, trazem expressões faciais bem trabalhadas e representam satisfatoriamente aquilo que são: criaturas mágicas, não verdadeiras.

Cena do filme

A interpretação de Hank Azaria para o vilão Gargamel é assunto à parte, arrisco dizer o que há de melhor no longa. O ator/dublador emprestou ao personagem uma personalidade menos ranzinza do que nos desenhos e trabalha muito bem no que se propôs – seja na postura, nos trejeitos ou no sotaque. O Gargamel do filme é um vilão bobalhão, atrapalhado, alheio ao ridículo de si mesmo, mas completamente centrado em seus objetivos, desses que, por momentos, nem mesmo torcemos contra.

Os Smurfs está longe de ser uma obra-prima, mas diverte aqueles que conseguem se abster de um alto nível de exigência, é uma boa opção para curtir com a família e apresentar os carismáticos personagens aos mais novos.

♫ La la lala lala… (←musiquinha grudenta que não sai da minha cabeça há dias)

O Bravura Indômita de 2010 é a versão cinematográfica dos irmãos Coen para um romance de faroeste homônimo escrito por Charles Portis em 1968, que também já teve uma outra adaptação, bastante famosa em sua época (1969), dirigida por Henry Hathaway e estrelada por John Wayne.

Cena do filme

Ainda não li o livro, nem assisti o filme de 1969, então não posso dar pitacos a respeito da adaptação ou das diferenças, mas arrisco apostar que os Coen não se esquivaram de deixar sua assinatura no trabalho. Embora Bravura Indômita tenha uma estrutura e uma abordagem diferenciadas de outros de seus filmes mais famosos – Onde os fracos não têm vez e Fargo, por exemplo – o filme traz, de maneira mais ou menos discreta, a marquinha do absurdo e, tal como pede um bom western, um toque de humor “politicamente incorreto”, genial em sua tortuosidade.

O filme prima pela qualidade técnica e um conjunto que realmente funciona. O ambiente foi muito bem moldado, um trabalho que se destaca não somente pela sua estética selvagem e empoeirada, bem típica do gênero, mas também pela cuidadosa caracterização de uma época e de uma região, explorando, em diversos níveis, as possibilidades oferecidas por um mundo onde a perfídia descontrolada confronta diretamente a fidelidade quase cega dos homens a seus códigos de honra.

Cena do filme

E se estamos falando de pontos fortes, não dá para passar sem mencionar o elenco, os papéis bem ajustados e seu maravilhoso entrosamento em cena. Destaque para os três atores nos papéis de perseguidores.

Jeff Bridges está irretocável como o federal durão, de gestos e fala contidos – atenção especial ao pesado e quase cômico sotaque que caracteriza fortemente o papel – convence sem esforço sobre a profundidade e a complexidade de seu personagem. Hailee Steinfeld, em seu primeiro trabalho de repercussão, encara a persistente aspirante a pastora com propriedade e segurança (mal consigo imaginá-la como a clássica Julieta), está à vontade e muito bem encaixada no papel. Matt Damon, ainda que ligeiramente ofuscado por seus companheiros, transpira o talento que só os bons atores conseguem ao interpretar papéis tão diferentes de seus trabalhos anteriores, criando uma figura imponente e icônica para seu ranger.

O trio demonstra tal nível de entrosamento nas sequências mais dramáticas que faz parecer impossível um trabalho tão bem encaixado se qualquer uma das peças fosse diferente.

Bravura Indômita vale a pena, mesmo para aqueles que, como eu, não são necessariamente fãs deste gênero cinematográfico que tantas vezes já foi declarado morto, mas continua ressurgindo de tempos em tempos com alguma obra empolgante.

O grande destaque da animação é mesmo o visual. Renaissance foi feita com uma técnica conhecida como motion capture, onde a ação dos atores são gravadas e depois editadas em programas de computador. Quase totalmente em preto e branco, alto constraste, o resultado das edições consegue criar um clima interessante que remete, ao mesmo tempo, ao retrô e ao futurista, com um ar de melancolia soturna que me lembrou bastante a ambientação de Metrópolis (o clássico de 1927, do cineasta austríaco Fritz Lang).

Cena do filme

A história em si não traz nada de original, já vi o mesmo roteiro com a mesma “reviravolta no desfecho” pelo menos meia dúzia de vezes antes. Dá para acompanhar de boa, mas não empolga, nem surpreende. No todo uma animação para adultos que alcança apenas um patamar razoável, vale mais a pena para aqueles que estão interessados nos aspecto gráfico da coisa toda.

Eis que um belo dia um estranho aparece na torre. Flynn Ryder é o ladrão mais procurado do reino, em uma fuga deseperada depois de roubar uma valiosa tiara ele se esconde na torre e acaba imobilizado pelos 20 metros de cabelo de Rapunzel, quando ela lhe faz uma proposta: se ele ajudá-la a fugir para ver as luzes, ela lhe devolve a tiara que escondeu enquanto Flynn estava desacordado.

Cena do filme

Fui assistir Enrolados sem botar muita fé na coisa toda, não fazia muito tempo que tinha assistido A Princesa e o Sapo (bonitinho e engraçadinho, mas definitivamente fraco) e não esperava realmente que esta adaptação de Rapunzel pudesse remediar as sombras da minha decepção com alguns dos últimos fracassos da Disney. Bem, não saí do cinema absolutamente surpreendida (pois é, eu vi o filme no cinema, a resenha é que está super atrasada! ), mas me diverti bastante e consegui sentir aquela pontinha de esperança de que a Disney Pictures esteja reencontrando a boa veia de suas animações.

Para mim a Rapunzel dos contos de fadas sempre teve um ar de melancolia e de resignação, adorei encontrar aqui uma versão mais “sacudida” da garota. Na versão de Dan Fogelman, Rapunzel é uma garota animada e criativa, que oscila entre a determinação e a espontaneidade inerentes à sua própria personalidade e a insegurança embutida em sua cabeça depois de passar toda uma vida com uma “mãe” que a convence de que é feia, desajeitada e fraca demais para sobreviver ao mundo lá fora.

Cena do filme

Aliás, Gothel – a “bruxa má” do roteiro – é outro destaque. Genial a maneira como sua participação na história é conduzida, as táticas para controlar Rapunzel – manipulação psicológica e apelo aos sentimentos que a garota nutre pela falsa mãe -, as justificativas e as razões para mantê-la confinada, a mim, acabaram soando mais convincentes do que aquele papo de “leve as alfaces e me dê sua filha quando ela nascer”.

Flynn também não é um personagem ruim (vou me abster de comentar a horripilante dublagem do Luciano Huck na distribuição brasileira), não chega a ser excepcional mas cativa, protagoniza algumas cenas memoráveis e funciona muito bem com a princesa.

Enrolados é uma ótima pedida para quem procura diversão leve e boas risadas. Uma animação ágil, com uma revisitação interessante do roteiro e trilha sonora de primeira linha.

Está bem claro que o filme tem um público alvo bem definido: os garotos na fase dos hormônios borbulhantes, e talvez seja apenas o caso de eu estar ficando velha e ranzinza – foi-se o tempo em que eu conseguia dar boas risadas com o estilo porra-louca “pretensamente despretensioso” – porque… não, não vi muita graça na coisa toda.

Cena do filme

Ruim? Não, não estou dizendo isso. Conheço alguns amigos que se divertiram horrores com o filme e se este era o propósito, ninguém pode dizer que não foi alcançado, certo? Apenas não funcionou para mim.

O roteiro é fraquíssimo, pouco interessante, sem sustentação e cheio de furos. Ok, ok, pode levantar a mão em contestação, concordo que em um filme desse tipo o desenvolvimento da história e dos personagens são as últimas coisas com as quais devemos nos preocupar. A questão é que, uma vez abstraídos estes aspectos, eu esperava qualquer coisa mais extrema, de um filme batizado Matadores de Vampiras Lésbicas eu esperava mais sangue, mais violência, mais sensualidade, mais… mais terrir! Não é o exagero uma das principais características do terrir? Ah, e, por favor, menos efeitos sonoros ao estilo desenho animado, utilizado da maneira que foi, bem… deprimente.

Cenas do filme

É um filme tosco, óbvio, foi criado para tal. Não caiu nas minhas graças, mas pode, sim, ser bastante divertido para aqueles que conseguem se deixar levar pela sequência sem quaisquer exigências.

Na ilha, Kamui acaba se afeiçoando a família de Hanbei e começa a participar das atividades rotineiras dos pescadores, até que toda a aldeia cai numa armadilha. Kamui, como o único sobrevivente, é tomado pela ira e parte atrás dos culpados em busca de vingança.

Cenas do filme

Eu nunca tinha ouvido falar do mangá (na verdade nem do filme, até vê-lo na prateleira da locadora) e só depois de ter assistido é que fui descobrir o trabalho de Shirato por trás do roteiro. Bem, não sei se o mangá é bom, nem posso dar meus pitacos quanto ao trabalho de adaptação, mas posso dizer que esta versão para a telona não me agradou. Um filme que oscila entre a ação e o drama, e não satisfaz nenhum dos lados.

A história toda é apresentada de maneira muito superficial, as situações mudam de uma hora para outra, de maneira brusca e sem harmonia, dificultando a ambientação do telespectador com o drama das personagens. As atuações são sofríveis, o protagonista não consegue marcar presença e não convence a respeito de seus conflitos internos. Nenhum dos secundários consegue destaque suficiente para cobrir essa falta.

Algumas das cenas de luta – que lembram vagamente o estilo Wuxia – são boas e bem fotografadas, mas os efeitos especiais deixaram muito a desejar, não somente nas habilidades extraordinárias dos ninjas como também na manipulação dos cenários e dos elementos naturais. Sequências como a da caça aos tubarões, por exemplo, acabaram em cenas tão artificiais que quase chegam a ser engraçadas…

O filme é baseado em um curta homônimo do diretor Shane Acker que foi indicado, em 2005, para o Oscar de Melhor Curta de Animação. Para quem tiver curiosidade a versão também consta no DVD.

A história é ambientada em um cenário bastante típico: um futuro pós-apocalíptico de cidades destruídas e tomadas pelos escombros resultantes das pesadas guerras entre homens e máquinas. A vida humana já não existe mais. 9 (voz de Elijah Wood) é um boneco de juta que “acorda” no laboratório de seu criador nesse mundo devastado. Desorientado, ele deixa o local e acaba encontrando 2 (voz de Martin Landau), mas eles são atacados por uma máquina que leva 2 como prisioneiro. Logo depois 9 encontra outros bonecos como ele que o levam para seu esconderijo. Lá ele conhece 1 (voz de Christopher Plummer), o auto-proclamado líder do grupo que defende a ideia de que eles devem permanecer escondidos a qualquer custo. Só que 9 quer resgatar 2 e tenta convencer os outros que enfrentar as máquinas é o melhor caminho para um futuro melhor.

Cena do filme

A trama em si não me impressionou. O tema, já tão exaustivamente explorado, não apresentou quaisquer pontos de abordagem diferenciada ou insights originais, deixou-se cair no lugar-comum e acabou por ofuscar um pouco da magia de todo o trabalho.

Cena do filme

O visual é caprichadíssimo e na minha opinião o grande destaque do filme. A atmosfera sombria foi bem arquitetada e o nível de detalhamento dos objetos – com suas dobras, texturas e o trabalho de iluminação muito bem feito – ganham uma nova dimensão quando visualizamos o mundo do ponto de vista dos pequenos bonecos. Sombrio, como pede o tema pós-apocalíptico, e ainda assim encantador.

No conjunto um filme cativante, para encher os olhos e deixar aquele convite – pouco original, mas ainda pertinente – à reflexão.

O filme conta as aventuras de um grupo de espiões formado por pequenos animais – os porquinhos da índia Darwin, Blaster e Juarez e a toupeira Speckles. Como parte de um projeto secreto do governo norte-americano, eles foram treinados e capacitados no uso das mais avançadas tecnologias em equipamentos de espionagem e recebem a missão de deter os planos de um poderoso empresário que quer dominar o mundo (bobo e previsível, lembra?) através de eletrodomésticos.

Cenas do filme

Particularmente acho que o desenvolvimento da história ficou um pouquinho confuso, o público infantil deve se divertir com os espertos animais, mas não tenho tanta certeza quanto ao acompanhamento da trama. Uma boa opção, talvez, para assistir junto com os pequenos e uma oportunidade para discutir com eles as “clássicas” lições de moral que o filme não dispensa.

Como eu disse, é possível se divertir. Boas cenas de ação, bons efeitos especiais, alguns momentos engraçados, personagens simpáticos e cativantes. Bichinhos falantes estão muito longe de ser uma novidade, mas não dá para negar que ainda tem o seu encanto.

Pela sinopse a coisa toda parece relativamente simples, mas ó, vou dizer: não consegui entender praticamente nada. A trama se apresenta de maneira confusa, aos borbotões, como se tivesse sido arquitetada especialmente para quem já conhece os pormenores da história, não se explica, não se justifica. Não saquei quais eram as causas do conflito, não entendi o objetivo da luta e de todas as maquinações, não me envolvi com a causa nem com os romances. Simplesmente não “senti” o drama.

O filme apresenta algumas boas cenas de luta – do tipo coreografadas, não realistas – e de resto nada que realmente tenha chamado a minha atenção. As atuações são fracas e as cenas pouco consistentes, mesmo aquelas mais violentas e explícitas, que deveriam causar algum tipo de tensão, ficam muito aquém de alcançar o seu intento.

Pode ser que eu apenas não tenha conseguido entrar no clima e a falta de familiaridade com o gênero tenha feito com que eu me sentisse tão perdida. Fato é que para mim o filme não funcionou.

Com uma apresentação dentro dos padrões esperados o filme de fato não supreende, mas uma vez livre das tais expectativas eu pude me divertir bastante. Como um blockbuster de entretenimento voltado para um público de massa infanto-juvenil arrisco dizer que o longa cumpre o seu papel.

A história toda começa com um vislumbre de fatos desenrolados há algumas centenas de anos quando o mago Merlin e seus aprendizes estão enfrentando a feiticeira Morgana Le Fay (Alice Krige), que luta para se apoderar de um poderoso feitiço que lhe dará poder para dominar o mundo (bem, vamos nos abster de comentar a “extrema criatividade” do argumento, ok?).

Durante o confronto um dos aprendizes, Maxim Horvath (Alfred Molina), revela sua traição e a aliança com Morgana. As coisas não correm bem, Merlin é mortalmente ferido e antes de perecer consegue recitar um encanto que dá a seu outro aprendiz, Baltazar Blake (Nicholas Cage), a juventude eterna e a missão de encontrar o próximo merliniano, o único que terá poder para deter, definitivamente, a maligna feiticeira.

Corta para os tempos atuais. Depois de uma longa e exaustiva busca Baltazar finalmente encontra o jovem merliniano: um tímido e desajeitado estudante de Física (interpretado por Jay Baruchel) que, depois das habituais resistências e trapalhadas, finalmente começa o seu aprendizado.

Para mim, o mal aproveitamento de um elenco com tanto potencial é o maior ponto de pesar no final. Um filme que conta com nomes como Alfredo Molina, Monica Bellucci e até mesmo Nicholas Cage, que andou apresentando uma performance tão irregular em seus últimos trabalhos, deveria impressionar pelo menos neste quesito. No entanto, seja pelo roteiro que pouco ajuda ou pela própria (falta de) vontade dos atores, tudo fica apenas em um nível mediano.

Como dito antes, apesar de tudo eu me diverti. Um filme de entrenimento leve e descompromissado. Nem sempre estamos com cabeça para filmes que nos obrigam a pensar, não?

Em geral minhas expectativas para filmes desse tipo são beeem moderadas, o que, em teoria, reduz bastante as chances de uma decepção, mas este caso vem provar que ainda é possível achar tudo muito pior, mesmo quando não se espera absolutamente nada. Para mim, Maldita Sorte não passa de uma comédia sexual vulgar, fútil e sem propósito.

Pode me chamar moralista se quiser (sim, é o que alguns “entendidos” me disseram em alguns fóruns de cinema por aí), mas não, a avalanche de cenas ordinárias, “semi-explícitas”, de sexo e a abordagem libertina do assunto não são os grandes problemas aqui. O tema sexo parece ter sido usado, em um tom quase desesperado, para tentar deixar a coisa engraçada e suprimir falhas em praticamente todos os outros quesitos.E vou dizer uma coisa: não funcionou.

Claro que achar graça nesse tipo de piadinha manjada é algo bastante discutível, conheço pessoas que rolariam de rir, por exemplo, com a cena em que Charlie flagra seu melhor amigo se masturbando em um buraco feito numa fruta. Se este é o seu caso… bem, procuramos tipos de humor bem diferentes e se formos assistir a algum filme juntos algum dia, escolheremos um drama, ok?

Maldita Sorte não me conquistou em nenhum aspecto. O roteiro é fraco e ponteado de incoerências, as personagens são meras caricaturas esteriotipadas e as atuações são infâmes. Definitivamente uma perda de tempo.

Apenas a sinopse já é um bocado fraquinha, então eu não tinha mesmo nenhuma grande expectativa. Treze Fantasmas conta a história de Arthur (Tony Shalhoub) que, depois de um trágico incêndio em que perdeu sua esposa e a casa onde moravam, recebe a notícia de que vai receber uma grandiosa mansão como herança de um excêntrico tio, o Dr. Cyrus Zorba (F. Murray Abraham), morto em circunstâncias misteriosas. Acreditando que esta é a sua chance de recomeçar, Arthur e seus dois filhos decidem se mudar para lá, mas logo descobrem que o que parecia ser uma maravilhosa obra da arquitetura moderna na verdade é uma máquina diabólica que aprisiona 12 fantasmas sanguinários (Sim, 12. O 13º é parte da história, assista se quiser saber ).

Quantas histórias sobre casas assombradas recebidas por herança você já viu antes?

O filme tenta diferenciar trocando a típica mansão abandonada, empoeirada, repleta de teias de aranha e portas rangendo por uma construção modernosa com paredes de vidro e mecanismos de alta tecnologia, e ainda procura justificá-la – aliás, admito que os argumentos aqui são o único ponto que julguei razoavelmente interessante – mas tudo se perde no conjunto de uma produção fraca, com uma historinha mal desenvolvida e pretensas reviravoltas que não me convenceram.

As atuações são medíocres, absolutamente nada a destacar. Complete com um figurino pobre, um trabalho de maquiagem repetitivo, uma trilha sonora inexpressiva e teremos o ambiente de Treze Fantasmas: insosso, cansativo e totalmente isento dos sustos, da sensação de claustrofobia ou do suspense apreensivo que os bons filmes de terror podem causar.